NOTHING FOUND!
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Creadora de decenas de producciones televisivas exitosas como Chiquititas, Floricienta, Verano del 98 y Rebelde Way, su nombre es ampliamente conocido no sólo en Argentina sino también en países lejanos como Israel, Rusia o Japón adonde han llegado exitosamente varias de sus producciones.
Además de su faceta productora, en la mayoría de sus creaciones audiovisuales fue responsable también de las canciones y las bandas de sonido trabajando con distintos compositores. Varios de sus álbumes recibieron premios en Latinoamérica y Argentina como el Grammy Latino y los Premios Gardel.
Y produjo además canciones para distintos intérpretes como Sergio Denis, Sandra Mihanovic y Xuxa.
Compositor argentino y bandoneonista, Astor Piazzolla es uno de los responsables de la Renovación del Tango con piezas maestras tales como Libertango, Oblivion, Zita . En su Música, coexisten el Tango más tradicional, Música Clásica y Jazz, mezclando sus lenguajes, técnicas y estilos; proveyendo una nueva y más atractiva faceta a su Música.
Nacido en Mar del Playa en 1921, se mudó a New York con sus padres y vivió allí desde 1924. Es allí que su padre le regala un bandoneón usado, instrumento que permanecería ligado a su figura desde entonces. El estudió música con Bela Wilda y de Terig Tucci, y más tarde en su adultez con Alberto Ginastera en Buenos Aires y con la famosa pedagoga Nadia Boulanger en Paris.
La carrera de Piazzolla alternabba entre el Viejo y el Nuevo Mundo El participó como bandoneonista en las orquestas de Miguel Caló y de Anibal Troila, y escribió arreglos primero para la Orquesta de Troilo y luego para José Basso, Miguel Caló y Francini-Pontier. Astor también formó una Orquesta de Cuerdas en Paris con músicos de la Ópera de Paris y con Lalo Schifrin y Martial Solal alternando en Piano.
En 1955 fundó el Octeto Buenos Aires con músicos de primera línea tales omo Enrique Mario Francini y Huugo Bralis (violines), Roberto Pansera (bandoneón), José Bragato (violonchelo), Aldo Nicolini (contrabajo), Horacio Malvicino (guitarra eléctrica) y Atilio Stampone (piano). Varias de las versiones del Octeto influenciaron fuertemente la evolución futura de su Tango debito al ritmo y a sus novedosos contrapuntos.
Algunos años más tarde también creó un Quinteto de formación variable que cambiaría a través de los años, y en el que pasaron músicos com Elvio Bardaro, Dante Amicarelli, Antonio Agri, Horacio Malvicino, Oscar López Ruíz, Kicho Díaz, Osvaldo Manzi y Cacho Tirao. En 1968 compuso junto con el poeta Horacio Ferrer la Ópera María de Buenos Aires, y un año más tarde ellos continuarían componiendo obras más sencillas para la voz de Amelita Baltar tales como Balada para un Loco y Chiquliín de Bachin.
El estilo musical de Astor Piazzolla le dio gran éxito en Europa, pero generó grandes controversias en Argentina donde siempre se cuestionó si tu Música era genuinamente Tango o no. Hasta hoy dia, su música enciende pasiones de todo tipo en quienes la escuchan, y su nombre permanece inquebrantable en la cumbre de la música.
Since the nineties, the French duo Air, composed of Nicolas Godin and Jean-Benoît Dunckel, has defined a musical aesthetic that left an indelible mark on electronic music and alternative pop. Hailing from Versailles, these musicians began experimenting with synthesizers and melodies at a time when electronic music was still evolving, quickly establishing themselves as pioneers of a sound that blends sophistication and minimalism. Their work presents a sonic universe of synthesizers, soft bass, and atmospheric guitars, crafted with meticulous production that delivers a unique listening experience.
Air’s debut album, *Moon Safari* (1998), quickly became a modern classic. With tracks like “Sexy Boy” and “All I Need,” they captured a sensual, cosmic aesthetic that positioned them as one of the most influential acts in electronic music at the time. This album, drawing on influences from progressive rock to psychedelic pop, invites listeners on a sonic journey full of nostalgia, melancholy, and futuristic romance. Its success cemented Air’s place as key figures of the “French touch” movement, alongside names like Daft Punk, while always retaining their unique style.
Today, Air remains a fundamental reference in the worlds of electronic music and alternative pop, to the point that their presentation was one of the main parts of the closing ceremony of Paris 2024 Olympic Games.
They recently made a World Tour in commemoration of 25 years of their album Moon Safari, as part of that they had presentations in Mexico, Chile and Argentina.
Un influyente pianista y compositor cuyo estilo marcó los cambios que luego llegarían durante la era bebop. Dueño de una personalidad enigmática y difícil, tanto su música como el mismo generaron siempre sentimientos encontrados.
Logró un reconocimiento temprano en el Jazz gracias a su rol como Pianista de Minton’s Playhouse en Harlem durante 1940. A pesar de que en ese momento el Swing era el estilo de Jazz más popular, Monk junto a varios de sus contemporáneos pavimentaron el camino para la llegada del Jazz Moderno. Sus composiciones y piezas musicales eran tan complejas, incluso para el Bebop, que permaneció relativamente desconocido para el gran público (no de sus colegas) hasta una aparición junto a John Coltrane en 1957.
Desde ese momento saltó al estrellato, grabando numerosos discos, haciendo giras por el mundo entero y colaborando con decenas de grandes artistas. Su popularidad llegó a tal punto que fue portada de la revista Times, uno de los pocos en la historia.
Su vida puede resumirse en una frase pronunciada por él al final de su vida: I'm famous. Ain't that a bitch??
Dueña de una voz distintiva y una personalidad enigmática, Sia se ha convertido en una potencia en el panorama de la música pop. Oriunda de Australia y nacida como Sia Kate Isobelle Furler, primero hizo olas como una fuerza contribuyente detrás de escena, escribiendo éxitos para artistas como Rihanna y Beyoncé. Sin embargo, fue su decisión de ser el centro de atención lo que realmente la puso en una trayectoria hacia el estrellato mundial.
El estilo musical de Sia es una mezcla única de elementos pop, electrónicos e indie, caracterizado por voces poderosas, letras emotivas y opciones de producción experimentales que empujan constantemente los límites del género. Conocida por su afición por las pelucas elaboradas, las máscaras que ocultan su rostro y evitar el resplandor de los paparazzi, la misteriosa personalidad pública de Sia no ha hecho más que aumentar el atractivo de su música.
Autora de 10 álbumes de estudio, con "1000 forms of Fear" y "This is acting" entre los más exitosos, toda su discografía es una cadena de éxitos con canciones como "Confetti", "Helium" o "Big Girls Cry". Algunas de estas canciones se convirtieron en el himno de una generación: "Unstoppable" no solo habla del éxito y de superar los obstáculos, sino también de la máscara de la confianza y de lo que hay detrás.
Suele trabajar en colaboración con diferentes artistas o proyectos, produjo contenido para televisión y películas como "Los Juegos del Hambre", "50 Sombras de Grey", "La Saga Crepúsculo", "Wonder Woman" y varios más.
Recondite is an artist who operates in his own rather closed-off world, but you are welcome to join him. For the last decade, he has honed a signature sound that is a pure and unapologetic expression of self. His undulating sounds, idiosyncratic use of acid and always soothing atmospheres offer a place to get lost, reflect and revive yourself. This is a result of growing up in Lower Bavaria, a region of enchanting forests and insular communities. It is there that he first holed up to make music with no agenda more than 10 years ago.
The self-taught producer found his own sound and took it to Berlin on a whim. A meeting with Scuba gave him an intro to the local scene and he has never looked back since, going on to play every major club and festival in the world and releasing seven albums on esteemed labels like Innervisions, Ghostly, Absurd Recordings/Acid Test and his own Plangent Records.
He has been recently in Latin America, during 2024 and 2023, participating on the AfterLife events of Medellin, Buenos Aires and Santiago de Chile, and the Zamna Festival in Brazil.
His music is filled with different moods, but they are subtle undulations that require – and reward – close attention. As a hugely self-analytical figure, music is where Recondite takes full control and expresses himself in the most honest way. That is the same with his capturing live sets, which are never planned but instead react to the crowd and move them emotionally whether going deep and somber or more expansive and raw. That is something most artists strive towards for a whole career, but Recondite has been Recondite since day one.
Celine Dion, a name synonymous with vocal excellence and emotional power, has been a dominant force in the music industry for decades. Bursting onto the global stage in the late 1980s, Dion’s career has been a testament to her extraordinary talent and unwavering dedication. With a career spanning over 30 years, her influence extends far beyond her native Quebec, captivating audiences worldwide with a voice that is both technically flawless and profoundly expressive.
Dion’s music is a captivating blend of pop, classical, and adult contemporary genres. Among her most beloved Songs are “My Heart Will Go On” from Titanic, “Shadow of Love” or “You and I”.
Her career is marked by incredible milestones, including several Grammy Awards and a residency at Las Vegas that redefined live performances. Dion’s Las Vegas shows were more than just concerts; they were theatrical events that highlighted her ability to connect with audiences on a grand scale.
Back in 2022, she was diagnosed with a neurological disorder that affected her muscles and stopped her from being able to perform publicly. With the help of doctors and specialists in the area she managed to regain her capabilities, although not overcome fully the diagnosis as it’s a permanent disease.
More recently, in 2024, she made a staggering comeback in the Paris 2024 Olympic Games Opening ceremony, performing “L’Hymne a L’Amour” in a heart-moving closing that was viewed and applauded for millions around the world.
Mathieu Hocine (aka Kid Francescoli) is a multi-instrumentalist (from bass, drum machine, piano to synthesizer), producer, singer y composer from Marseille. Since 2002, his electro-pop music influenced by synth/indie pop and techno – evokes magic memories of summer vacations and endless night walks. His hit song “Moon (And It Went Like)” continues to blow up TikTok charts with its tenacious refrain and its heartfelt instrumental just like all the rest of his discography.
Among his influences are pop that he worships and the French touch (of course), the US rap, the soundtracks from composers such as François De Roubaix or Ennio Morricone.
His studio, which is located at the very heart of Marseille, is flanked by a fresco of palm trees at sunset as a nod to Scarface y Brian De Palma’s cinema. He wants it, above all, as a space for life and collaboration. Kid Francescoli composes, plays with his bass, drum machine, piano, synthesizer and sometimes even sings to give life to his souvenirs around the world and especially, from his hometown through dreamy and sunny romantic & soulful melodies also influenced by French touch.
Kid Francescoli’s music has been used for many commercials (Lacoste, Chanel, Lancôme, Aldi, Citroën…), in series (Mafiosa, Skam, Valeria and Emily in Paris) but also in cinema (soundtrack of Azuro, feature film by Matthieu Rozé).
Chance Peña is a name that is quickly becoming synonymous with emotional depth and genre-defying sound. As an emerging force in alternative pop, Peña blends elements of indie, R&B, and electronic music to create a style that is uniquely his own. With introspective lyrics and a voice that’s both soulful and raw, he captures the essence of vulnerability and self-reflection. Since his debut, Peña has steadily built a dedicated fanbase, thanks to his honest approach to songwriting and his ability to connect with listeners on a deeply personal level. His music resonates with anyone who’s ever felt the weight of life’s complexities and the power of music as a form of catharsis.
Peña’s journey began as a teenager uploading covers and original songs to platforms like YouTube, where his raw talent quickly caught the attention of listeners. His breakthrough came with the release of “Cold in California,” a track that showcased his ability to weave together haunting melodies and emotionally charged lyrics. The song, with its cinematic quality and atmospheric production, captured the attention of the alternative pop community and marked the beginning of Peña’s rise. His work often explores themes of love, loss, and introspection, tapping into universal emotions while maintaining an authenticity that sets him apart from the mainstream.
What distinguishes Chance Peña from many of his contemporaries is his willingness to experiment with sound. While rooted in alternative pop, his music ventures into electronic textures, ambient atmospheres, and minimalist beats, creating a captivating sonic landscape. Tracks like “Unseen” and “Again” demonstrate Peña’s unique ability to blend delicate vocals with experimental production, resulting in a haunting, immersive experience. He’s unafraid to take risks, constantly evolving his sound while maintaining the raw emotion at the core of his artistry.
As Chance Peña continues to grow in popularity, there’s no doubt that his music will continue to evolve, further cementing his place in the alternative pop scene. His blend of introspective lyricism, genre fusion, and emotionally charged performances make him one of the most exciting artists to watch. With his unique sound and unwavering authenticity, Chance Peña is poised to be a defining voice in the future of alternative music, capturing the hearts of fans worldwide.
Proveniente de la Italia provinciana, el DJ y productor de clase mundial Benny Benassi es un nombre que necesita poca presentación, pero que siempre merece una amplia admiración y aclamación en la medida que pasó de ser DJ de club a Rey de festivales, a productor discográfico de ventas multimillonarias.
No hay mejor lugar para comenzar a profundizar en la rica historia de la carrera de Benassi que con su éxito de taquilla internacional, "Satisfaction" y su video musical que cambió las reglas del juego y que se convirtió en su plataforma de lanzamiento al estrellato.
A esto le siguió su álbum debut Hypnotica, que alcanzó el top 20 en casi todas las partes de Europa en el primer mes de su lanzamiento. Y más tarde por "Bring The Noise", por la que ganó un premio Grammy.
A lo largo de su carrera realizó varias colaboraciones exitosas, como la de Chris Brown con quien lanzó increíbles canciones como "Beautiful People" y "Paradise", o "Cinema" con Gary Go.
En los últimos años, los principales lanzamientos de Benny incluyen "Everybody Needs A Kiss", "Lonely Nights", "Inside" y "Everybody Hates Monday Mornings".
Más allá de sus propias producciones, llevó su sonido a un público musical más amplio con una ráfaga de remixes de alto perfil con artistas como Bob Marley & The Wailers, Giorgio Moroder, Madonna, Sean Paul y los Rolling Stones, por nombrar solo algunos; mientras mantiene un programa de radio semanal en el peso pesado de EE. UU. iHeart Radio que transmite a un asombroso cuarto de billón de oyentes mensuales.
Una estrella en ascenso en la música country con un mensaje de empoderamiento.
Maren Morris es una célebre cantante y compositora de country estadounidense conocida por su poderosa voz y su conmovedora composición. Nacida en 1990 en Texas, Morris saltó a la fama con su sencillo debut "My Church" en 2016, que no solo se convirtió en un éxito en las listas de éxitos, sino que también le valió un premio Grammy a la mejor interpretación solista de country. Su música combina a la perfección influencias country, pop y folk, lo que la convierte en una fuerza versátil e innovadora en la industria.
El segundo álbum de Morris, "Girl", lanzado en 2019, mostró su continuo crecimiento como artista. La canción principal "Girl" se convirtió en otro éxito en las listas de éxitos, y el álbum le valió la aclamación de la crítica, incluidas múltiples nominaciones al Grammy. Su capacidad para abordar temas personales y socialmente relevantes en sus composiciones ha resonado en un amplio público, y sus canciones a menudo reflejan un espíritu intrépido e independiente que empodera a sus oyentes.
Además de su éxito musical, Maren Morris es conocida por su defensa de la igualdad de género en la industria de la música country. Ha sido una abierta defensora de los derechos y la representación de las mujeres artistas y ha utilizado su plataforma para crear conciencia sobre los desafíos que enfrentan las mujeres en el género. Sus contribuciones a la industria, tanto musicalmente como defensora del cambio, la han consolidado como una figura prominente en el mundo de la música country contemporánea.
Desde tiempos inmemorables la historia del rock está nutrida de los llamados “Super grupos”; bandas cuyos integrantes conocieron el éxito previamente y de pronto sus integrantes están listos para una nueva aventura musical junto a otras celebridades.
Los años 2000 no se quedaron atrás en este modus operandi y Audioslave se transformó rápidamente en uno de los grupos más importantes de su generación. El grupo formado por Chris Cornell, Tom Morello, Brad Wilk y Tim Commerford supo misturar lo mejor de sus “Grupos madre” Soundgarden y Rage Against The Machine en canciones como “Cochise”, “Like a Stone” o “Doesn´t remind me”.
La voz y el carisma de Chris Cornell más las guitarras abrasivas de Tom Morello sirvieron como influencia a decenas de grupos que llegaron después. Más que un super grupo, Audioslave es un Dream Team.
Elastica fue una banda británica de rock alternativo formada en Londres en los años 90, cuyo sonido mezclaba elementos de punk rock, new wave y britpop, creando un estilo único y lleno de potencia.
Liderada por la vocalista y guitarrista Justine Frischmann, la guitarrista Donna Matthews, la bajista Annie Holland y el baterista Justin Welch, Elastica lanzó su álbum debut homónimo, "Elastica" en 1995. El álbum recibió elogios de la crítica y logró un gran éxito comercial, alcanzando el número uno en la lista de álbumes del Reino Unido con canciones como "Connection", "Stutter" y "Line Up".
Tras su álbum debut, 
Elastica lanzó varios sencillos más, incluyendo "Waking Up" y "How He Wrote Elastica Man", antes de lanzar su segundo álbum, "The Menace", en 2000. Sin embargo, el álbum no alcanzó el mismo nivel de éxito que su debut, y la banda se disolvió poco después de su lanzamiento debido a conflictos internos y presiones artísticas.
A pesar de su carrera relativamente corta, Elastica dejó un impacto duradero en las escenas de rock alternativo y Britpop. Su música se caracterizó por su energía contagiosa y la aguda composición de canciones de Frischmann, abordando temas de amor, relaciones y vida moderna.
Claptone es un dúo de música electrónica, formado por el DJ y productor alemán Clap Clap y el productor y vocalista inglés Tone. Se los reconoce habitualmente por utilizar una máscara de pico dorado, similar a la de los Doctores de la Peste medievales, y guantes blancos, por lo que su identidad sigue siendo un misterio, aparte de ser de Berlín.
Su salto inicial a la fama
fue de la mano del sencillo "No Eyes" ft. Jaw, que alcanzó el número uno en el UK Dance Chart en 2013. Desde ese momento lanzaron varios singles y cuatro álbumes, Charmer (2015), The Masquerade (2016), Fantast (2018) y Closer (2021).
Su música es generalmente clasificada como House Music, específicamente una mezcla de Deep House, Classic House y Tech HouseA menudo incorporan elementos de disco, funk y soul en su música también. Sus presentaciones en vivo son dinámicas y enérgicas, generalmente incorporando elementos visuales como bailarines extravagantes, lanzallamas y, por supuesto, máscaras para todo el público.
“Siento que la gente ama las historias, eso no ha cambiado en siglos. Aman los mitos. Aman estar intrigados. Aman entrar a un mundo diferente”
Missy Elliot es una rapera, cantante, compositora y productora discográfica estadounidense. Ganó fama por primera vez en los años 90 como parte del grupo de R&B Sista, y más tarde se convirtió en miembro del colectivo Swing Mob junto con su amiga de la infancia y colaboradora de mucho tiempo Timbaland, con quien trabajó en proyectos para Aaliyah, 702, Total y SWV. se convirtió a member of the Swing Mob collective along with childhood friend y longtime collaborator Timbaly, with whom she worked on projects for Virtuoso del Bandoneón y el Piano estudió en Buenos Aires, París y New York. Trabajó junto a artistas de la talla de Carlos Gardel, Aníbal Troilo y Alberto Ginastera.aliyah, 702, Total, y SWV.
Su carrera en solitario despegó con el lanzamiento de su álbum debut "Supa Dupa Fly" en 1997, que contó con los exitosos sencillos "The Rain (Supa Dupa Fly)" y "Sock It 2 Me".
A lo largo de su carrera, Missy Elliot ha sido conocida por su estilo único y videos musicales innovadores, que a menudo presentan efectos especiales y coreografías de vanguardia. Algunas de sus otras canciones populares incluyen "Get your Freak On", "Work It" y "Lose Control".
Además de su carrera musical, Missy Elliot también ha incursionado en la actuación y la televisión, apareciendo en películas como "Honey" y "Ghostbusters" (2016) y sirviendo como juez en "The Voice UK" en 2019.
Es ampliamente considerada como una de las artistas más influyentes e innovadoras en la música hip-hop y pop, y ha ganado numerosos premios a lo largo de su carrera, incluidos cuatro premios Grammy.
“Deja que los haters ladren” Convertida ya en uno de los grupos más populares e importantes del K-Pop, esta banda Coreana se inició en 2015 con el single “Trespass” y en poco tiempo han tenido una actividad tan intensa como su música.
Su música combina Hip Hop, Música Dance y Pop con un estilo agresivo y potente que se convirtió en su marca registrada y los llevó a acumular un fandom inmenso a lo largo del Mundo.
Sus canciones han roto records en todas las plataformas, contando con millones de vistas en Youtube y algunos de sus Singles alcanzaron el puesto 5 en los Billboard. A lo largo de los años han encabezado giras por distintos países, (Siempre incluyendo Latinoamérica) y han participado de Films, Reality Shows y programas de TV.
Esta banda demostró que el K-Pop trasciende las barreras Linguisticas.
Corría el año 2001 cuando Dan Auerbach intentaba grabar un demo que le permitiera llevar su música a otras ciudades, Patrick Carney puso a disposición los equipos y su sótano para grabar. Pero el resto de la la banda de soporte nunca se presentó a grabar, y así se formó el dúo hoy ya famoso: The Black Keys con Dan Auerbach en Guitarra y Voces y Patrick Carney en Batería y Producción.
El estilo del grupo refleja una gran pasión por la música blues y el Garage Rock, explotando con talento influencias de los grandes nombres de los años 60 y comienzos de los 70.
Al igual que en sus orígenes en el sótano hogareño, la crudeza y las imperfecciones forman parte de sus composiciones, muchas de ellas grabadas en una sola toma directo en el estudio y sin trabajo previo.
A lo largo de sus carreras, el grupo recibió 7 premios Grammy y 4 de sus singles alcanzaron la cúspide de los charts. Por si fuera poco, son reconocidos por sus pares: Axl Rose, Robert Plant (Led Zeppelin), Jonny Greenwood (RadioHead) o Kirk Hammett (Metallica), entre otros, se han declarado públicamente como fans de la banda.
Anoushka Shankar, una virtuosa del sitar de renombre mundial, ha dejado una huella indeleble en el mundo de la música con sus fascinantes composiciones. Su música teje maravillosamente el tapiz de las tradiciones clásicas indias con un toque contemporáneo, ofreciendo una cautivadora mezcla de Oriente y Occidente.
Hija del legendario Ravi Shankar, ha continuado sin esfuerzo su legado mientras forja un camino musical propio. También es medio hermana de la cantante estadounidense Norah Jones, con quien aparece en conciertos y videos regularmente.
Anoushka es una fuerte activista que trabaja por múltiples causas y organizaciones benéficas, en particular apoyando a las mujeres y a los refugiados; al mismo tiempo que es una importante defensora de los derechos de los animales.
Sus numerosos álbumes, marcados por su innovación y fusión, han recibido elogios de la crítica y múltiples nominaciones al Grammy. Participó en la banda sonora de películas como Anna Karenina (2012), la restauración del clásico del cine indio Shiraz: Un Romance de la India, y la película británica Victoria & Abdul (2017)..
Anoushka ha introducido eficazmente la música clásica india a un público global más amplio a través de sus colaboraciones con artistas de diversos géneros, asegurando que las ricas tradiciones que representa sigan siendo vitales y contemporáneas. A medida que continúa evolucionando y explorando nuevos horizontes musicales, su futuro parece prometedor y emocionante, prometiendo ofrecer composiciones e influencias culturales que trascienden fronteras y generaciones.
El pianista experimental y compositor Volker Bertelmann, también conocido como Hauschka, se describe a sí mismo un "buscador de sonidos". Coloca pelotas de tenis de mesa en la caja de sonido de su piano, entre las cuerdas sujeta gomas de borrar, alfileres de dibujo y mucho más.
Los sonidos que Bertelmann saca de su piano preparado de esta manera le recuerdan a un tambor exótico o un dispositivo de efectos electrónicos. Pero en sus obras más recientes, el gran maestro del paisaje del estado de ánimo pianístico ahora está abriendo algunos mundos de sonido bastante diferentes.
Todo fiel aficionado a Hauschka siempre reconocerá las características esenciales de su música, porque incluso cuando se escribe para una orquesta, las cuatro piedras angulares del mundo musical de Bertelmann son las mismas: "belleza, efímera, melancolía y absurdo".
En 2022 recibió un Oscar a la Mejor Banda Sonora Original por su trabajo componiendo la banda sonora de la película de Netflix "All Quiet on the Western Front"
ITZY es un grupo de chicas de Corea del Sur formado por JYP Entertainment ITZY y compuesto por cinco miembros: Yeji, Lia, Ryujin, Chaeryeong y Yuna. El grupo debutó el 12 de febrero de 2019 con su álbum sencillo "IT'z Different", que incluía la canción principal "Dalla Dalla".
Desde su debut, han ganado rápidamente popularidad tanto en Corea del Sur como internacionalmente, gracias a su música pegajosa, coreografías llamativas y estilo único. Su energía juvenil y mensajes positivos en sus canciones han resonado con una amplia audiencia, especialmente entre los jóvenes.
Algunos de los éxitos notables de ITZY incluyen canciones como "ICY", "Wannabe" y "Not Shy", que han obtenido reconocimiento y premios en programas de música y han acumulado millones de reproducciones en plataformas de transmisión.
ITZY ha demostrado ser un grupo versátil y talentoso, capaz de llevar a cabo una variedad de conceptos y estilos musicales. Además de su carrera musical, también han participado en diversos programas de TV y son embajadoras de varias marcas, consolidando aún más su status como uno de los grupos de chicas más influyentes en la industria del entretenimiento surcoreana.
Cantante, compositora y productora musical estadounidense de Massachusetts, USA. Se hizo famosa en 2014 con su canción "All About That Bass", que encabezó las listas de éxitos en varios países y se convirtió en un éxito mundial. Curiosamente esta canción fue preparada para ser cedida a otros artistas, fue rechazada entre otras por Adele y Beyoncé, hasta llegar a Epic Records donde quedaron sorprendidos por ella misma. Luego de una versión en vivo cantando con un Ukelele para los ejecutivos le firmaron un contrato y comenzó la producción de su disco.
Su estilo musical es una mezcla de Pop, R&B y Soul, y tanto sus letras como sus acciones suelen ser sobre temas como el empoderamiento femenino, la autoestima y el amor propio.
Su canción "No", se convirtió en un himno de las mujeres frente al acoso incesante del que son víctimas. Y el videoclip de su single "Me Too" fue bajado de redes por ella misma debido a la modificación excesiva de su cuerpo con Photoshop obligando a subir luego el video real.
Trainor también ha sido jueza en el programa de televisión "The Four: Battle for Stardom" y ha actuado como coach en la versión británica de "The Voice". Algunos de sus temas fueron incluidos en películas animadas como “Smurfs: The Lost Village” y “The Peanuts Movie”.
Compositora de música para Films, productora de música y DJ originaria del norte de Londres, comenzó su formación musical en Flauta Clásica y Piano en el Junior Guildhall School of Music and Drama y luego Jazz en la Junior Royal Academy of Music.
En línea con su educación, las piezas creadas por ella evolucionaron lentamente hacia el neoclasicismo y el minimalismo, dándonos una imagen de un entorno técnico-musical de Edimburgo y Europa.
El trabajo de Madison ha sido incluido en varios Cortos como Princess y The Flying Gold of Arabuko (Nominados para los premios BIFA y BAFTA respectivamente) así como también su reciente participación en las Composición Musical de la Temporada 5 de "The Crown“.
Además de sus trabajos fílmicos, ha presentado un Vinyl EP junto al productor dBridge llamado "Made in Silence" (2022), y otro en solitario: "Seasons" (2021).
La música de Mark Portmann ha sido escuchado a lo largo y a lo ancho de todo el mundo, sus composiciones forman parte de innumerables películas, trailers y producciones audiovisuales. A lo largo de su carrera aparece en más de 300 créditos y recibió 9 nominaciones Grammy.
Comenzó sus trabajos como Pianista Clásico, y luego de recorrer el mundo en Tours Musicales junto a grandes artistas se estableció finalmente en Los Angeles a trabajar como Músico, Arreglador y Productor Musical.
Como Arreglador/Orquestador ha trabajado con las Orquestas Sinfónicas de Londres, y Praga en más de 40 álbumes. Ha trabajado junto a estrellas como Tom Cruise y Drew Barrymore en algunos de sus Films y Trailers, así como con Ariana Grande, Christina Aguilera y Demi Lovato en sus producciones.
A pesar de haber nacido en Armenia y tener una gran identificación personal con su país de origen, su nombre se asocia inmediatamente con Francia y las clásicas canciones de amor y ruptura.
Su voz distintiva y su repertorio tan versátil lo convirtieron
en la década de 1950 en una de las principales figuras de la escena musical europea, entre su repertorio hay canciones típicamente de la Chanson Française pero también Folk, Pop, Jazz, Cabaret e incluso Gospel.
A lo largo de su carrera compuso infinidad de canciones, como "La Bohème", "She", "For me, formidable" y "Hier encore". Varias de ellas incluso las compuso o cantó en distintos idiomas aparte del francés, como inglés, español, italiano, alemán, ruso y armenio.
Aznavour es considerado uno de los artistas más influyentes y exitosos de la música francesa y mundial. Vendió más de 180 millones de discos en todo el mundo y fue honrado con numerosos premios y reconocimientos, incluido el Premio Grammy a la carrera artística en 1996.
Además de su carrera musical, Charles Aznavour tuvo una exitosa carrera en el cine participando en decenas de films, tanto en Francia como en Hollywood. En 2009, fue nombrado Embajador de buena voluntad de Armenia ante la UNESCO.
This French musician, songwriter, and producer was an instrumental force behind some of the biggest disco hits of the late ‘70s and early ‘80s. Known for his ability to craft incredible melodies and rhythms that could fill any dance floor, Vangarde’s work defined an era of music that celebrated decadence, movement, and uninhibited joy. Yet, despite his contributions, he has often remained a shadowy figure, quietly influencing the sounds of generations.
Vangarde’s career began in the late ‘60s, but it wasn’t until the ‘70s that he struck gold. Working closely with the iconic group Ottawan, Vangarde co-wrote tracks that became global sensations, including the unforgettable “D.I.S.C.O.” and “Hands Up (Give Me Your Heart).” These songs were vibrant and playful, capturing the carefree, party-centric spirit of the disco era. Vangarde’s knack for creating hooks that listeners could sing or dance to for hours helped cement these tracks as timeless dance anthems. He also worked with French disco duo the Gibson Brothers, producing hits like “Cuba,” which celebrated Latin rhythms, proving Vangarde’s versatility and global reach.
What set Vangarde apart was his ability to infuse his compositions with an international flair, combining elements from various genres to create a unique sound. His style often featured a blend of European pop, Latin rhythms, and funk grooves—a fusion that anticipated the globalized sound of contemporary dance music. But even with his success, Vangarde shied away from the spotlight, focusing instead on the creative process and letting others bask in the fame. This allowed him to maintain an air of mystery, a rare trait in an industry that thrives on visibility and celebrity.
Interestingly, Vangarde’s musical legacy has come full circle. His son, Thomas Bangalter, rose to fame as one half of Daft Punk, the pioneering French electronic duo who helped reignite interest in disco and funk in the ’90s and 2000s.
After his retirement, Vangarde moved to Bahia (Brazil), where among other projects he founded CaraivaViva, an NGO community charity which provides education through the arts for children.
In many ways, Vangarde’s influence can be felt in Daft Punk’s own work—celebrating the past while innovating for the future. Today, Vangarde’s contributions to music are gaining new appreciation, as fans and historians alike recognize him as a key figure in the golden age of disco. His songs remain iconic, a reminder of an era when music was all about liberation, rhythm, and letting go on the dance floor.
El año 2022 marca la icónica cifra de los 40 Años de trayectoria de "Alphaville", la exitosa Banda de Synth-Pop alemana.
Formada originalmente por Marian Gold, Bernhard Lloyd y Frank Mertens, Alphaville alcanzó el éxito inmediato con su primer Single “Big in Japan” y “Sounds Like a Melody”. Ambos adelantos de su primer disco “Forever Young" que contiene también el track del mismo nombre que se convertiría un clásico de la música.
Curiosamente, la banda comenzó de forma casi afortunada ya que, en palabras del propio Marian Gold “Ninguno podía realmente tocar un instrumento. La música estaba en nuestras mentes, pero dependíamos de sintetizadores y cosas similares”.
A lo largo de los 40 años de trayectoria la formación ha cambiado en varias oportunidades, siempre con Marian Gold a la cabeza, pero con el resto de los integrantes siguiendo distintos caminos. Esto no impidió la producción de 8 álbumes de estudio, 6 compilaciones y 3 Box Sets, además de números singles y relanzamientos de sus clásicos.
En septiembre pasado lanzaron el Disco “Eternally Yours” que contiene versiones sinfónicas de sus clásicos más importantes, seguido por una gira en 2023 por ciudades de Alemania presentando el Disco.
Un reconocido cantante y compositor de heavy metal, el estilo vocal poderoso y distintivo de Dio lo convirtió en uno de los vocalistas más influyentes y respetados del heavy metal.
Su carrera musical despegó a fines de la década de 1950 cuando comenzó a actuar con varias bandas de rock. En la década de 1970, formó la banda Elf, que más tarde se convirtió en Rainbow.
Sin embargo, fue su mandato como vocalista principal de Black Sabbath lo que le trajo una fama significativa al reemplazar a Ozzy Osbourne. Con Dio en la voz, Black Sabbath lanzó dos álbumes de gran prestigio: "Heaven and Hell" (1980) y "Mob Rules" (1981), que mostraron su voz distintiva y estilo lírico.
En 1982, formó su propia banda, llamada simplemente "Dio". La banda logró el éxito comercial y lanzó varios álbumes aclamados por la crítica, como "Holy Diver” y "Sacred Heart".
Durante la década de 1990 y principios de 2000, Dio continuó lanzando álbumes y giras con su banda solista. También se reunió con antiguos compañeros de banda de Black Sabbath bajo el apodo de "Heaven & Hell".
La contribución de Dio al género heavy metal es inconmensurable, y a menudo se le atribuye la popularización del gesto de la mano de los "cuernos del diablo", que se ha convertido en un símbolo icónico de la música metal.
Uno de nuestros Directores, Eduardo Ihidoype, junto a Ronnie James Dio durante el concierto que este realizó con Deep Purple en el Luna Park (Buenos Aires, Argentina).
Conocido como el vocalista principal del Grupo Aventura, y más tarde embarcado en proyectos como solista, el verdadero nombre de Romeo es "Anthony": decidió cambiarse el nombre a Romeo, como un alter ego, una versión más romántica en el escenario y también para ayudarlo a superar su timidez.
El Grupo Aventura estaba formado por Romeo, su primo Henry Santos, Lenny Santos y Max Santos, quienes, a pesar de tener el mismo apellido, son solo amigos de Romeo y Henry. Se hicieron inmensamente populares durante su origen en los años 90, mezclando bachata con elementos de hip-hop, R&B y pop, y logrando éxito internacional con éxitos como "Obsesión", "Mi Corazoncito" y "Dile al Amor".
En 2011, Romeo se embarcó en una carrera en solitario, lanzando su álbum debut "Formula, Vol. 1", que contó con colaboraciones con artistas como Usher, Lil Wayne y Pitbull. El álbum fue un éxito comercial y ayudó a solidificar su estatus como solista. Siguió con "Fórmula, Vol. 2" en el 2014, que incluyó sencillos exitosos como "Propuesta Indecente" y "Odio" con Drake.
Conocido por su voz suave, sus letras románticas y su carismática presencia en el escenario, Santos se ha convertido en una de las figuras más prominentes de la música latina. Su música a menudo explora temas de amor, desamor y relaciones, resonando con audiencias de todo el mundo.
Además de su carrera musical, Santos se ha aventurado en la actuación, apareciendo en películas como "Furious 7" y "Angry Birds 2". Continúa lanzando música y haciendo giras internacionales, manteniendo su posición como uno de los mejores artistas latinos de su generación.
Originaria de Alemania, esta banda de Rock/Pop fue fundada por los gemelos Bill y Tom Kaulitz junto a Georg Listing y Gustav Schäfer en 2001 y sacaron su primer disco (Schrei) en 2005 cuando todos ellos eran poco más que adolescentes.
En poco tiempo demostraron sus cualidades artísticas alcanzando ventas de varios millones de discos en Alemania y extendiendo su influencia a Austria, Suiza y otros países de Europa Oriental. A lo largo de varios años se mantuvieron al tope de los charts de su país y tal éxito los llevó a relanzar varios de sus álbumes con canciones en inglés para el público internacional.
Luego de varios años de y discos donde reflejaron una clara influencia de estilos Dark y Emo, comenzaron un giro de su estilo musical hacia sonidos más pop y electrónicos que continua al día de hoy y según las palabras de Bill “refleja el crecimiento de la banda y de los fans a lo largos de los años”.
Amy Wadge is one of the UK’s most prolific contemporary songwriters. She has co-written both for and with several artists like James Blunt, Dua Lipa, Jason Mraz, Jessie Ware, Joel Adams, Rebecca Ferguson, Shannon Saunders, The Shires and a lot more.
Amy’s most notable success to date comes from her long-established writing partnership with Ed Sheeran. Their friendship goes back to their teenage years, and together they created Hits like Thinking Out Loud. This song broke all charts and several records, won 2 Grammy and has sold until now over twelve million copies worldwide, has been viewed 1.25 billion times on YouTube and streamed over a billion times on Spotify.
Despite this, Amy first came to prominence as a singer songwriter in her own right. Having moved from her hometown of Bristol to study in Wales, she found herself at the heart of a hugely dynamic music scene, touring the length and breadth of the UK and Europe. She released five solo albums, various EPs and three collaborative albums with other artists along the way. However, since becoming a mother, Amy’s main focus has been on writing.
Known as the King of the Waltz, André Rieu is a Dutch violinist, conductor, and composer who has captivated millions of people around the world with his unique style and charisma on stage.
Born in Maastricht in 1949, Rieu began his musical career at an early age, studying violin at the Liège Conservatory and perfecting his technique with master classes by important figures.
In 1987, Rieu founded the Johann Strauss Orchestra, a group of more than 60 musicians that accompanies him in his live performances. With this orchestra, Rieu has toured stages all over the world, at an incredible pace that has him frequently on the Billboard Top Tours (In 2023 he reached number 23 with 86 shows, including several in South America.
His dynamic and energetic style, coupled with his impeccable violin playing and his special connection with the audience, have made Rieu an unprecedented musical phenomenon. Their concerts are true celebrations of music, where the audience dances, sings and enjoys a festive and contagious atmosphere.
André Rieu – The Beatiful Blue Danube
Debbie Gibson, la sensación del pop de los años 80, ha dejado una huella imborrable en la historia de la música con sus melodías y letras románticas. Desde su debut en la escena musical a los 16 años (cuando todavía estaba en la escuela), conquistó los corazones de fans alrededor de todo el mundo con su talento innato.
Sus éxitos más grandes continúan, luego de décadas de su lanzamiento, resonando en los corazones de millones de fanáticos en todo el mundo.
"Lost in Your Eyes" es una balada romántica que llegó al 1er puesto de todos los rankings musicales y tocó los corazones de millones. Con su voz emotiva y una melodía cautivadora, Debbie le mostró al mundo su propio proceso personal y el conocer el amor por primera vez.
A lo largo de los años, Debbie ha seguido cautivando al público de todas las edades con su música y carisma: participó en varios programas de televisión como Dancing with The Starsy Celebrity Apprenticede Donald Trump, y participó en el videoclip de Katy Perry “Last Friday Night (T.G.I.F)” . Más recientemente, en 2023 ha estado de gira por Estados Unidos con su espectáculo "Winterlicious 2023".
Anna Lena Bruland fue advertida expresamente por su abuelo, un reconocido director de orquesta en Noruega en los años 50 y 60, de que no siguiera una carrera artística. Pero Bruland no se desanimó; simplemente nunca hubo otra opción: »Tenía que ser músico porque no había nada más que pudiera hacer«.
EERA es el proyecto en solitario de la noruega, que ahora vive en Berlín después de una temporada en el Reino Unido. Su álbum debut ›Reflection of Youth‹ es soñador e íntimo, crudo, audaz e intransigente. Con ecos musicales de PJ Harvey, Deerhoof y Elliott Smith, es un disco de contrastes y confianza a partes iguales. Los relajantes sonidos de sintetizador crean la base para la voz palpitante de Bruland y una textura sonora que exuda vulnerabilidad. ›Speak‹, su segundo álbum, le siguió en 2021.
Dos de sus canciones de su primer álbum fueron seleccionadas para formar parte de la banda sonora de la serie mexicana "Ella camina Sola" (2023).
Artista de pop alternativo originaria de Blackburn, Inglaterra; es sin lugar a dudas una de las figuras más prometedoras del panorama musical actual.
Su música inicial tiene un tono oscuro, con tonalidades de Folk y Country, características de Blues y elementos de Electrónica. Al preguntarle por sus influencias, explica: “Mi padre me rodeó de Música Folk, y mi madre de Música Soul… Aretha Franklin, Billie Holiday and Marvin Gaye."
Sus álbumes "Careless People" y “Here Comes Trouble” muestran un enorme crecimiento musical, y sus singles "Mexico", “Bad News” y "Boyfriend" (Un himno a las mujeres independientes) son la base de un futuro prometedor.
Cantautor y músico italiano, ha cautivado a audiencias en todo el mundo con su voz poderosa y sus letras emotivas. Nacido en Latina, Italia, en 1980, Ferro desde pequeño mostró una pasión por la música, aprendiendo a tocar piano, guitarra, batería y componiendo sus propias canciones.
En 2001, lanzó su álbum debut, "Rosso Relativo", que alcanzó un éxito inmediato en Italia y Europa. El álbum lo catapultó a la fama, estableciéndolo como uno de los nuevos artistas pop de la escena musical italiana. A partir de allí, Ferro ha lanzado seis álbumes de estudio, todos ellos con gran éxito comercial y de crítica y millones de copias en todo el mundo. Sus canciones a menudo exploran temas de amor, pérdida, vulnerabilidad y la búsqueda de la identidad.Su música es conocida por su honestidad emocional y su capacidad de conectar con oyentes de todas las edades. Ferro ha ganado numerosos premios por su música, incluyendo el prestigioso Premio Sanremo, uno de los eventos musicales más importantes de Italia.
Además de su éxito musical, Ferro también es conocido por su activismo en materia de los derechos LGBTQ+. En 2010, se declaró públicamente gay, convirtiéndose en una figura visible para la comunidad LGBTQ+ en Italia. Ha hablado abiertamente sobre su experiencia personal y ha utilizado su plataforma para defender la igualdad y la aceptación.
Paula Cole irrumpió en la escena musical en la década de 1990 con su voz única y su estilo ecléctico, que mezclaba elementos de pop, folk, soul y R&B. Su álbum debut, "Harmonia", lanzado en 1994, la catapultó a la fama gracias a éxitos como "Where Have All the Cowboys Gone?" y "I Don't Want to Wait".
Su colaboración con Peter Gabriel durante el 
“Secret World Tour” de 1993-1994, y luego en la canción "River" en 1997 la llevó a un público aún más amplio y consolidó su posición como una de las artistas más talentosas de su generación.
Su música, a menudo introspectiva y con letras cargadas de significado, resonó con una audiencia que buscaba algo más que pop superficial.
Cole continuó lanzando álbumes exitosos a lo largo de los años, como "This Fire" (1998) y "Courage" (2007), que exploraron temas como el amor, la pérdida y la fe. También lanzó los álbumes “Raven” en 2013 y “Ballads” en 2016, ambos financiados mediante la plataforma Kickstarter.
Mas recientemente, en marzo de 2024, lanzó el álbum “Lo”, donde escribió todas las canciones como una forma de navegar hacia su nueva confianza luego de los golpes indelebles de la vida. Tejiendo lo personal con lo universal, lucha con preguntas de identidad e intimidad, historia y el fracaso colectivo de aprender de ella, mostrando finalmente que el álbum es una ventana a su propia psiquis.
Una artista única e irrepetible, que ha dejado una huella imborrable en la música y cuyo talento, versatilidad y compromiso con la autenticidad la convierten en una figura inspiradora para las nuevas generaciones de músicos.
Un proyecto musical que lleva en la sangre el Sol y la Costa de California (su nombre de hecho, rinde homenaje al pueblo de Cayucos), lleno de sonidos ligeros y alegres que recuerdan a la música Pop de los años 60’ pero mezclando técnicas de producción del siglo 21.
Originalmente llamado Oregon Bike Trails, Cayucas es un dúo formado por los gemelos Zach y Ben Yudin, que en sus conciertos suma también a Banah Winn, Casey Wojtalewicz, y Christian Koons.
A la fecha sacaron 4 discos: “Bigfoot” un conjunto de 8 canciones con un sonido puramente asociado a la playa californiana, “Dancing at the Blue Lagoon” que contiene canciones más emocionales y complejas, “Real Life” que toma un sonido puramente Pop y “Blue Summer” con un sonido un poco más nostálgico y una vuelta a las raíces iniciales de la California de sus infancias.
Una banda que tiene camino por recorrer (Comenzó en 2011), pero que ya se encuentra entre lo más selecto del Indie-Pop Internacional.
Después de un primer notorio, “Mangroves”, las hermanas Rovskis regresan con uno nuevo: “La Proie est reine”. Al escucharlo uno puede imaginar dos hermanas, dos guerreras de la poesía, dos mujeres en fuga de una tribu. En cualquier caso, el canto de las Rovskis es como un hechizo y el arco del violín una varita mágica.
Combinando lo orgánico de los
instrumentos con teclados eléctricos y loops, estas amazonas urbanas Sonia y Olive han curado sus heridas y puesto toda su destreza al servicio de este nuevo álbum frustrando lo obvio, uniendo y triturando sus diferencias para inventar un lenguaje común.
Entre el 21 y 29 de Marzo de 2023 se estarán presentando en distintos escenarios de Chile en el marco del “Jour de la Francophonie” organizado por el Instituto Francés.
Dos hermanas gemelas. Disímiles. En busca de nuevas tierras para descubrir, explorar y florecer.
Talento, pasión y una curiosidad creativa insaciable: estos son las claves detrás de la carrera del excepcional músico Álvaro Soler. Estas tres cualidades invaluables han convertido a la superestrella germano-española en uno de los artistas solistas más exitosos y populares de Europa y más allá. Después de haber vendido más de dos millones de copias de sus tres álbumes de estudio lanzados hasta la fecha, más de cinco mil millones de transmisiones combinadas de audio y video, más de 150 premios de oro y platino y muchos millones de fanáticos entusiastas, Álvaro Soler ahora presenta su interpretación muy personal y moderna del pop latino.
Su camino al estrellato comenzó con el lanzamiento de “El Mismo Sol” en 2015, canción que lo catapultó a la fama internacional. El videoclip oficial de su siguiente single "Sofía" alcanzó más de 800 millones de reproducciones en YouTube.
Un verdadero cosmopolita, su sonido característico, entre la emotividad apasionada y el pop instantáneamente apasionante con influencias del género latino, inspira a una audiencia global entre Buenos Aires y Berlín, Estocolmo y São Paulo. "Mi música trata sobre sentimientos profundos y vibraciones positivas. Incluso si no necesariamente entiendes las letras en español, el significado de las canciones a menudo se revela solo por el ritmo, a través de los sonidos y a través de la buena energía que transmiten estas pistas", dice Álvaro sobre su música.
Más allá de su talento musical, Álvaro habla siete idiomas (castellano, catalán, inglés, alemán, italiano, francés y japonés), se ha graduado en Ingeniería Industrial y Diseño en el ELISAVA de Barcelona.
También colaboró con Morat, interpretando la canción “Yo contigo, tú conmigo” para la película “Gru, mi villano favorito 3". También presta su voz a Camilo Madrigal en las versiones dobladas en italiano y alemán de la película de Disney del 2021 "Encanto".
Weyes Blood, el apodo musical de Natalie Mering, se embarcó en su viaje artístico con una inclinación por crear paisajes sonoros etéreos que trascienden los límites tradicionales del género. Emergiendo de la escena indie de Los Ángeles, sus primeros trabajos llamaron la atención por su calidad de ensueño y de otro mundo.
Su voz misteriosa y sus letras introspectivas insinúan una visión musical única, preparando el escenario para su evolución hasta convertirse en una de las voces más innovadoras del indie contemporáneo y el folk psicodélico.
El gran avance de Weyes Blood llegó con su álbum aclamado por la crítica: "Front Row Seat to Earth", con canciones como "Diary", "Seven Words" y "Do you Need my Love", una fascinante exploración de temas personales y universales. Fusionando elementos de folk, pop y arreglos orquestales, el álbum mostró la capacidad de Mering para crear una experiencia sonora que es a la vez nostálgica y con visión de futuro. La calidad etérea de su música, junto con letras introspectivas y que invitan a la reflexión, resonaron con los oyentes, estableciendo a Weyes Blood como una pionera en la escena musical indie.
Con cada nuevo lanzamiento, supera los límites de su oficio dejando una marca indeleble mientras explora las posibilidades ilimitadas del sonido.
En sus inicios, StoneBridge creó la primera compañía de DJ/Remix de Suecia, SweMix. Luego convirtió lo que era una operación básica en un sótano en un sello discográfico completo y una marca de gran éxito, y, como parte de esto fue responsable de varios éxitos mundiales que le valieron el reconocimiento internacional.
Su prolífica producción musical ha dado lugar a tres álbumes de estudio. El LP debut de StoneBridge llegó en 2004 con la llegada de ‘Can’t Get Enough’, que fue un éxito en los Clubs del momento y entre la prensa musical mundial. Tiempo después regresó al estudio para completar el siguiente álbum, ‘Music Takes Me’ que contó con éxitos masivos como ‘SOS’, ‘You Don’t Know’ & ‘Close To Heaven’. Su tercer álbum de artista 'The Morning After', que fue lanzado en 2010, fue descrito por StoneBridge como su 'chef d'oeuvre musical'.
Su música está presente regularmente entre las ondas de radio, ya que aparece normalmente en radios en línea como BBC Radio 1, Sirius XM y Kiss FM. Actualmente presenta su propio programa en Sirius XM / BPM, transmitiendo a millones de personas todos los sábados en toda América del Norte.
Además de sus compromisos de estudio, radio y giras, StoneBridge también dirige su propio sello discográfico Stoney Boy Music, que se estableció en 1997 y cuenta con lanzamientos tempranos de futuras estrellas.
Más recientemente, lanzó el sencillo "Too Late" con Kiyoné Shorter.
Un reconocido compositor y músico contemporáneo, nacido en la igualmente famosa ciudad de Hamelín, Alemania Occidental. Aunque no tiene mucho que ver con flautas y pequeños roedores, Max Richter es ampliamente reconocido por sus contribuciones a la música clásica, y varios estilos diferentes como el minimalismo, post-minimalismo, experimental y neoclásico; todos los cuales parecen mezclarse con una facilidad abrumadora en sus creaciones.
A lo largo de su extensa carrera produjo numerosos Álbumes y Música para Films o TV, como su innovadora composición "Memoryhouse" (2002), su álbum "The Blue Notebooks" y las partituras de “Waltz with Bashir" (2008) y "Shutter Island" (2010). Más recientemente, su trabajo "On the nature of Daylight" fue incluido en la serie "The Last of Us" y “The Handmaiden’s Tale”.
Es común verlo en colaboración con artistas de distintas áreas, incluidos músicos, coreógrafos y artistas visuales, para crear obras multidisciplinarias que empujan los límites de la música clásica. Uno de sus proyectos más ambiciosos es "Sleep" (2015), una composición de ocho horas de duración destinada a ser escuchada mientras duerme.
Un artista ampliamente aclamado que obtuvo tanto la evaluación de la crítica como una base prominente de fanáticos que aprecian su enfoque innovador de la música y su capacidad para evocar emociones profundas a través de sus composiciones.
BTS, the global phenomenon from South Korea, has reshaped the pop landscape with their groundbreaking music, dynamic performances, and heartfelt message. Comprising seven members—RM, Jin, Suga, J-Hope, Jimin, V, and Jungkook—BTS combines hip-hop, pop, and R&B to create a sound that transcends language and cultural barriers. Known for their intense choreography and unparalleled stage presence, BTS’s artistry is only matched by their dedication to connecting with their fans, the “ARMY.” Their songs tackle universal themes like self-love, mental health, and personal growth, resonating deeply with millions worldwide and marking a new era of meaningful pop music.
Since their debut in 2013, BTS has consistently pushed creative boundaries. Albums like Wings, Love Yourself, and Map of the Soul reflect their evolution from rookies to global superstars, with lyrics that address personal struggles and dreams. Songs like “Dynamite,” “Blood Sweat & Tears,” and “Spring Day” showcase their versatility and emotional range, while their collaborations with artists like Halsey and Coldplay illustrate their global reach. Through their music and philanthropic work, BTS has inspired fans to pursue their dreams and embrace their true selves, creating a fanbase that is not only devoted but profoundly connected to the group’s journey.
Beyond music, BTS has influenced global culture, from fashion to social activism. They’ve made speeches at the United Nations, advocating for youth empowerment, and partnered with UNICEF in the “Love Myself” campaign, which supports mental health initiatives worldwide. Their impact reaches beyond the charts, as they continue to break stereotypes and redefine what it means to be a modern artist. BTS’s success is proof of the power of authenticity and resilience, showing the world that pop music can be both commercially successful and emotionally resonant.
BTS remains a trailblazing force in the music industry, uniting fans across continents and cultures. Their authenticity and commitment to meaningful art have turned them into more than just global superstars; they are cultural icons who inspire millions to embrace individuality and spread kindness. As they continue to evolve, BTS’s legacy grows stronger, marking them as one of the most influential groups of their generation.
Es la voz, original y pura, la que te llega primero, atravesando sin palabras una suave nube de sintetizadores. Pronto, se desploma, cada vez más apasionada y perfectamente equilibrada, cantando sobre la desesperación y la liberación, la pérdida y la salvación, y trazando una melodía elegante y maravillosa.
Los amplios gustos de Morgenstern sin duda tienen algo que ver con su educación como hija independiente de dos músicos de orquesta, uno alemán y otro búlgaro. Comenzó a tocar el piano a los 5 años antes de embarcarse en una prometedora carrera de ballet, pero cuando esto se vio interrumpido prematuramente por una lesión a la edad de 15 años, volvió de nuevo a escribir e interpretar música. Un amor persistente por Tchaikovsky, Prokofiev y Stravinsky se vio atenuado por una pasión juvenil por el punk, el metal y, más tarde, el gótico, y aunque podría ser presuntuoso señalar casos individuales, cada uno de ellos, junto con un hambre robusta por todo tipo de música, ya sea más antigua o más contemporánea, ha coloreado de alguna manera su trabajo desde entonces.
Sus convincentes actuaciones en directo le llevaron a conciertos por toda Europa con artistas como Ólafur Arnalds y Max Cooper, así como en festivales y lugares prestigiosos, desde Iceland Airwaves hasta el Festival Reeperbahn en la Elbphilharmonie de Hamburgo.
Más recientemente, fue contratada para cocomponer la banda sonora de una de las series dramáticas prioritarias de Netflix de 2022, The Empress, y desde el lanzamiento de Chameleon han surgido colaboraciones de estudio adicionales con artistas como Casper, Balmorhea y Aukai.
Edith Piaf, known as “La Môme Piaf” (The Little Sparrow), is an enduring icon of French music. Born in 1915, she rose from the streets of Paris to international fame, her voice capturing the spirit of a nation. Piaf’s life, filled with personal tragedies and romances, deepened the poignancy of her music, making her one of the most compelling figures in 20th-century music.
Her repertoire includes timeless classics like “Non, Je Ne Regrette Rien,”, “Paris” and “L’Hymne à l’amour,” showcasing her ability to convey profound emotion. “La Vie en Rose” became an anthem of hope post-war, while “Non, Je Ne Regrette Rien” reflects her resilience. Her songs, rich with themes of love and loss, resonated deeply with listeners worldwide.
Discovered singing on the streets in the 1930s, Piaf quickly rose to fame with the help of impresario Louis Leplée. Despite numerous hardships, including battles with addiction and personal losses, she performed at prestigious venues globally, solidifying her status as a superstar.
Edith Piaf’s legacy endures through her recordings and the countless artists she inspired. Her life has inspired films and biographies, ensuring her music captivates new generations. Piaf’s haunting voice symbolizes music’s power to express the human condition, securing her place among musical greats.
Cantante, Compositora, Actriz, Directora y mucho más. La lista de facetas, actividades y éxitos de Barbra es interminable y abarca una carrera de más de 6 décadas que la convirtió en un ícono de la cultura estadounidense.
En su faceta musical, grabó más de 70 álbumes, superó los 200 millones de ventas en todo el mundo y recibió decenas de premios (2 Oscar, 10 Grammy y 5 Emmy entre otros). Es considerada la artista N° 3 en el ranking Billboard 200 de todos los tiempos.
Además de la música ha tenido una exitosa carrera en la actuación, participando en cerca de 20 películas por las cuales recibió 2 premios Oscar, 1 Tony y varios Globos de Oro. Algunas de sus películas más conocidas incluyen “Hello, ¡Dolly!", "Funny Girl", el clásico "A Star is Born" y las más recientes “Meet the Fockers” y “The Guilt Trip”.
Además de su trabajo en el entretenimiento, Streisand también es conocida por su activismo político y filantrópico. Ha participado en varias campañas políticas y ha sido una defensora destacada de los derechos de las mujeres, los derechos civiles y la protección del medio ambiente.
Cantante, compositora, actriz, empresaria y filántropa, Dolly es una figura increíble y versátil de la historia musical. Es una de las artistas de música country más exitosas de todos los tiempos, habiendo vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo.
Comenzó su carrera a una edad temprana, escribiendo canciones para otros artistas y apareciendo en programas de televisión locales. En 1967 lanzó su primer álbum, "Hello, I'm Dolly", y desde entonces ha lanzado numerosos éxitos, incluyendo "Jolene", "Coat of Many Colors" y "9 to 5".
Además de su carrera musical, Parton ha incursionado en la actuación, apareciendo en películas como "Steel Magnolias" y "Joyful Noise", además de producir el Soundtrack de "Dumplin’" (2018) con la actuación de Jennifer Aniston.
Parton también es conocida por su compromiso con causas benéficas, participando activamente en la lucha contra el analfabetismo a través de su organización benéfica Imagination Library. En 2020, también donó un millón de dólares para ayudar a financiar la investigación de una vacuna contra el COVID-19.
En los años del “Amor y Paz”, un grupo de músicos decidió tomar un camino distinto y abrazar la oscuridad de una época signada por la guerra y la represión.
Con un sonido extremo de guitarras potentes y un ambiente sombrío, sus líricas mencionan a Dios y al Diablo, a Hechiceros y a Magia Oscura, mencionando temas como la devastación del planeta.
Integrada originalmente por Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward, la banda generó una disrupción tal en la Música que los catapultó al éxito y los llevó de gira por el mundo. Incluso a pesar de las opiniones negativas y los escalofríos que generaban en muchos ámbitos.
They are one of the transcending Bands of Rock in history, and always mentioned as one of “The Unholy Trinity” of Heavy Metal.
Domenico Modugno es considerado el padre de los cantantes-compositores italianos y uno de los más grandes de Europa de todos los tiempos.
Nacido el 9 de Enero de 1928, en Polignano a Mere (Bari), heredó la pasión por la música de su padre Cosimo. Aprendió a tocar la guitarra y el acordeón desde una edad temprana y compuso su primera canción a los 15 años.
En 1953 obtuvo su primer contrato discográfico con RCA Italiana, grabando sus primeros éxitos inspirados en el folklore del sur italiano, como "La Sveglietta“, “La Donna Riccia“, y la famosa "Vecchio Frack“.
En 1956 cambió de compañía discográfica, a Fonit Cetra y debutó en el Festival de San Remo con la canción "Musetto”. En el mismo año, publicó “Io, Mammeta e Tu” .
En 1958 formó parte nuevamente del Festival de San Remo conNel Blu Dipinto di Blucompuesta junto a Franco Migliacci. Esta canción representó su consagración entre los principales protagonistas de la escena musical italiana e Internacional. La canción se convirtió pronto en una de las canciones italianas más famosas de todos los tiempos, vendiendo más de 20 millones de copias y alcanzando los primeros puestos de todos los rankings mundiales. Este enorme éxito lo llevó a también a ganar tres Premios Grammy: ““Mejor Grabación del Año”,“, ““Canción del Año”yMejor Artista”.“.
Volvió a ganar el Festival de San Remo en 1959, esta vez con la canciónPiove (Ciao Ciao Bambina), mientras que en 1960 alcanzó la segunda posición gracias a “Libero”.Libero“.
Luego del periodo en Fonit Cetra, en 1964 cambió de compañía a Carosello Records, grabando otras obras maestras comoL’AvventurayDio, Come Ti Amo“.
Actuó en shows teatrales y comedias musicales comoCyrano” de Riccardo Pazzaglia y “Western Di Cose Nostrey películas comoEuropa di Notte” de Alessandro Blasetti, “Nel Blu Dipinto di Blu” de Piero Tellini, “Lo Scopone Scientifico” de Luigi Comencini and “Il Giudizio Universale” de De Sica.
En 1993 grabó su última canción, junto a su hijo Massimo, llamada "Delfini (Sai Che C’è)“.
Falleció el 6 de Agosto de 1994, en su casa de Lampedusa.
Una muestra de lo que Domenico Modugno ha representado para la Música y Cultura Italiana es el hecho de que aún continúa recibiendo honores y siendo celebrado en todas partes del mundo.
Born Kentrell DeSean Gaulden, YoungBoy had a turbulent upbringing marked by poverty, crime, and violence. Despite facing numerous challenges, including spending time in juvenile detention centers, he found solace in music and began recording songs at a young age.
He managed to gain attention with his mixtapes, which garnered millions of views and downloads online. His breakthrough came with the release of his single “Outside Today” in 2018, which peaked at number 31 on the Billboard Hot 100 chart. Since then, he has released several successful projects, including mixtapes, albums, and collaborative efforts.
Since then, he acquired significant popularity in the rap scene for his unique style and raw lyrics: his music often explores themes such as street life, violence, relationships, and personal struggles. The theme of poverty and facing adversity, resonates with listeners who relate to his storytelling and emotive delivery.
Outside of his music career, YoungBoy has been accompanied by legal troubles, including arrests, probation violations and more than one public feud with other artists and occasional controversies. Nonetheless, he continues to be a prominent figure in the hip-hop community, known for his distinctive sound and unapologetic approach to his art.
Con un sonido intoxicante, confluencia de géneros, canciones provocativas y intransigente, y el poder hipnótico de Jim Morrison, The Doors tuvo un impacto transformador no sólo en la Música sino también en la Cultura.
La llegada del grupo a la escena del Rock marcó no solo el comienzo de una cadena de hits que se convertirían en clásicos en un corto tiempo, sino también algo mayor: Una nueva y profunda relación entre creador y audiencia. Negándose a ser meros animadores, la banda desafiaba sin descanso a sus fans, los confrontaba e inspirada, lanzándose de cabeza hacia la oscuridad, en momentos que otros pregonaban sobre Paz y Amor.
El liderazgo de Jim Morrison es ciertamente icónico, pero el increíble poder de la banda no hubiera sido posible sin los virtuosos tapices del teclado de Ray Manzarek, el áspero y expresivo trabajo del guitarrista Robby Krieger y el dúctil y dinámico ritmo del baterista John Densmore.
Aunque han tenido dozenas de imitadores, nunca ha buelto a aparecer una banda como ellos. Y 50 años después de su álbum debut, la Música de The Doors y su legado permanecen más influyentes que nunca.
Discursos políticos, yo ni uno creo. / Vengo de Chile, del Chile feo, el verdadero
En el vibrante panorama de la música urbana latina, un artista ha estado causando sensación con su estilo distintivo y sus letras sinceras: Papi Wilo. Oriundo de Puerto Rico, ha ganado reconocimiento rápidamente por su mezcla única de reggaetón, hip-hop, R&B y bachata. En 2012, con tan solo 18 años, saltó a los primeros números de la música con su “Freestyle #13”, ahora conocido como “Mi historia”.
Después de eso, otro hito en su carrera fue el lanzamiento de su sencillo "Sufriendo de Amor", que atrajo la atención generalizada por su retrato crudo y auténtico del desamor. Sus letras, al igual que esta, a menudo reflejan los desafíos que enfrentan muchos y muestran sinceridad y vulnerabilidad, lo que lo convierte en una figura identificable para una audiencia diversa. La habilidad de Papi Wilo para infundir su música le ha granjeado el cariño de los fans, estableciéndole como una estrella en ascenso en la escena de la música urbana latina.
A medida que avanza su carrera, Papi Wilo ahora se establece como una estrella en ascenso en la escena de la música urbana latina. Desde baladas conmovedoras hasta enérgicos éxitos de club, navega sin esfuerzo a través de varios géneros, mostrando su rango dinámico como artista. Recientemente lanzó Hijo, tema que hará parte de su próximo álbum "La definición del Rap".
Born in London, Lily Allen is a singer-songwriter who has left an indelible mark on the music industry. Her debut in 2006 with the album “Alright, Still” was one of the most explosive in the musical field of recent decades, catapulting her to fame instantly.
Her unique mix of ska, pop and reggae along with her irreverent style captivated the public when she released her first single, “Smile”, which was accompanied by a video clip where she takes revenge in various ways on her ex-boyfriend who was cheating on her.
Then the single “LDN” followed, an ode to his hometown with a cheerful and fresh rhythm contrasted with acidic lyrics that things in London are not always as they seem. In the video clip something similar is observed, with Lilly happily walking through the city and seeing a colorful London, where everything looks fantastic, and then when the view changes to the other reality of the city, more violent and unpleasant.
Throughout her career, Lily Allen has proven to be a versatile and resilient artist, able to reinvent herself and stay relevant in the music scene. With albums such as “No Shame” (2018), which contains the hit “Trigger Bang” that she prepared with Giggs.
This 2024 finds her on hiatus from her work, after having recorded more than 50 songs for the next project she is working on and that we are looking forward to hear.
Protagonista de una infancia y adolescencia compleja en Canadá, Abel Tesfaye comenzó un camino de éxitos de forma anónima en Youtube en el año 2011 bajo el nombre The Weeknd. El nombre hace referencia al momento en que él y un amigo decidieron dejar la escuela un fin de semana para nunca regresar.
Su música contiene una gran versatilidad y variedad de estilos, con sonidos por momentos oscuros o melancólicos (a veces inspirados en experiencias personales) junto letras explicitas y polémicas, pero cantadas de forma elegante. Su estilo musical es generalmente calificado como el mejor ejemplo de R&B Alternativo, con Michael Jackson y Prince como sus principales influencias. Además de sonidos que muestran sus raíces etíopes y de la cultura árabe.
A lo largo de su carrera lanzó 5 discos, decenas de sencillos y colaboró en producciones con artistas de todo tipo, incluyendo a Drake, Sia, Beyoncé, Rosalia y Lana del Rey. Recibió multitud de premios, entre ellos 4 Grammy, 1 Grammy Latino y 20 Billboard Music Awards.
El mejor ejemplo de su alcance musical acaba de suceder: Su canción “Blinding Lights” se convirtió en la canción más escuchada de la historia de Spotify.
En 2023 encabezará una gira por LatinoAmerica, visitando México DF, Bogotá, São Paulo, Buenos Aires y Santiago de Chile.
Gala Rizzatto, emergió en la escena musical internacional a mediados de los 90 con su éxito Freed from Desire. Nacida en Milán, Italia, su viaje musical comenzó a una edad temprana, impulsada por una pasión por los géneros clásicos y contemporáneos. Su sencillo no solo dominó las radios del momento, sino que también se convirtió en un himno de la época, mezclando ritmos de baile contagiosos con la voz conmovedora de Gala.
Su repertorio musical se extiende más allá, mostrando su versatilidad como artista en álbumes como Come Into My Life y Tough Love que presentan una fusión de estilos, desde el pop y el dance hasta influencias de R&B. Con una discografía que abarca décadas, el impacto de Gala en la industria de la música es enorme y la ha consolidado como una figura respetada y duradera en el mundo de la música dance y electrónica.
Más recientemente, su éxito fue la base utilizada por los aficionados al fútbol inglés para la creación de Vardy’s On Fire que popularizaron en los estadios durante la Eurocopa de 2016 y se sigue cantando hoy día en la Premier League y el Championship inglés.
In a world where electronic music is often associated with frenetic beats and strobe lights, Danish artist Anders Trentemøller has established himself as an enigmatic, singular figure. Since his beginnings in the early 2000s, Trentemøller has created a dark, evocative, and richly nuanced sound that defies conventional labels. His music blends electronic, rock, and post-punk, tinged with nostalgia and melancholic beauty, challenging expectations with each release. While others seek to produce dance-floor anthems, Trentemøller offers captivating soundscapes that evoke deep emotions and cinematic textures.
Trentemøller’s career began with his EP *The Trentemøller Chronicles* and the acclaimed album *The Last Resort* (2006), a work that established him as a prodigious talent in the electronic music world. This album, composed of haunting atmospheres and hypnotic rhythms, marked the start of a sonic journey overflowing with sensitivity and detail. Tracks like “Take Me Into Your Skin” and “Miss You” feel like stories unto themselves, filled with silences, reverberations, and flawless production that invites listeners to lose themselves in an alternative universe of dark tones and dreamlike soundscapes. Rather than settling for the predictable, Trentemøller has built his reputation by pushing the boundaries of electronic music, constantly exploring new paths.
As his career has progressed, Trentemøller has continued to evolve, incorporating elements of shoegaze, gothic rock, and post-punk into his work. His albums *Into the Great Wide Yonder* (2010) and *Fixion* (2016) showcase this evolution, combining ethereal guitars and enveloping synthesizers to create a sound that evokes bands like The Cure or Joy Division, but with a modern, personal twist. It’s not just background music; it’s an immersive, emotional experience, moving between the organic and the electronic, the somber and the expansive, the ethereal and the visceral.
Today, Trentemøller remains a crucial figure in the electronic scene, maintaining his independence and authenticity in an increasingly commercial landscape. His live performances are acclaimed for transforming his music into a multisensory spectacle, where lights, projections, and sounds merge to create a unique experience. Trentemøller has shown that electronic music doesn’t have to be superficial; it can be introspective, haunting, and profoundly human. With each album, he defies genre expectations and immerses listeners in an emotional journey, reaffirming his status as one of the most visionary and respected artists in electronic music today.
Lindsey Stirling is one of the most innovative artists of the last decade. This American violinist, composer and dancer has challenged the boundaries of the genre, fusing classical music with electronic rhythms and elements of dubstep, something that few could have imagined until her arrival. Since her participation in the program America’s Got Talent in 2010, where she was eliminated in the final rounds with the phrase “What you’re doing is not enough to fill a theater”.
Stirling’s real impact came with his self-titled debut album in 2012. With songs like “Shatter Me”, the violinist showed that the violin could be the protagonist on dance floors. But it was not only his music that captured the public’s attention, but also his video clips, where Stirling mixes his incredible ability to play the violin with elaborate choreography.
On platforms such as YouTube, Instagram and TikTok his presence grew exponentially, reaching millions of views, followers and consolidating himself as a star of the digital and music era.
Stirling’s career is testament to his resilience, in 2014 he overcame anorexia and released his album Shatter Me to raise awareness, especially among young people, to break the fears that bind them and be themselves without fear. Her subsequent albums, such as Brave Enough (2016) have not only explored new sounds, but have also revealed an artist in constant evolution, capable of tackling deep themes, from self-improvement to spirituality.
Today, Lindsey Stirling is more than just a violinist: she is a visual creator and a pioneer in the music industry. Her ability to merge artistic disciplines, and the message of resilience she communicates through her music, have made her a global reference. From major festivals to world tours, Stirling continues to prove that the power of music transcends genres and that, in his hands, the violin is the weapon of a cultural revolution.
French 79, el apodo del productor y compositor francés Simon Henner, se ha convertido en una fuerza visionaria en la escena del ElectroPop. Con una carrera arraigada en superar los límites e inspirado por Kid Francescoli y Daft Punk, French79 se ha hecho un hueco con su sonoridad e innovador enfoque de la producción.
Procedente de Marsella, su música encarna una mezcla armoniosa de estética nostálgica synthwave y elementos electrónicos contemporáneos, creando un viaje sonoro que cautiva a los oyentes desde la primera nota.
El lanzamiento de su álbum debut aclamado por la crítica, "Olympic", en 2014 es lo que hizo que su carrera despegara. El álbum mostró su destreza en la creación de experiencias cinematográficas inmersivas a través de la música. Temas como "Diamond Veins" con Sarah Rebecca y "Golden Times" demostraron su capacidad para fusionar a la perfección vibraciones retro-futuristas con sensibilidades electrónicas modernas.
A medida que avanza en su carrera, French79 continua desafiandose a si mismo. Su último disco, "Teenager" fue lanzado luego de una gira internacional con más de 100 fechas.
Giant Rooks, the German indie rock band formed in 2014 in Hamm, has taken the European music scene by storm with their fresh style and undeniable talent. Comprised of Frederik Rabe (vocals and guitar), Finn Schwieters (guitar), Luca Göttner (bass), Finn Thomas (drums), and Jonathan Wischniowski (keyboards), the band has crafted a unique sound that blends pop, alternative rock, and electronic influences, creating a melodic and vibrant mix that connects instantly with audiences. Though young, Giant Rooks has shown remarkable musical maturity and a special knack for crafting deeply captivating songs.
Their 2017 EP New Estate was the first hint of their ability to create indie pop anthems filled with energy and emotion. With hits like “Bright Lies” and “New Estate,” the band began gaining recognition both in Germany and across Europe, standing out for their well-crafted instrumentation and Frederik Rabe’s distinctive voice, which has become their signature sound. The EP opened doors for a European tour and cemented their reputation as a band to watch, bringing them to some of the continent’s biggest festivals.
In 2020, Giant Rooks released their much-anticipated debut album, Rookery, an album that confirmed their skill in blending genres to create a sound that feels fresh and relevant. Songs like “Watershed” and “Heat Up” combine introspective lyrics with dynamic instrumentation that oscillates between the melancholic and the euphoric. Rookery received critical acclaim and showcased the band’s growth in both lyrical depth and production, establishing them as one of Europe’s most promising indie rock acts.
Despite their short career so far, Giant Rooks has amassed a solid fan base and continues to grow in popularity internationally. Last May they were the Suppport-Band for Louis Tomlinson during his tour of Latin America, performing with great success in Brazil (Rio de Janeiro, Sao Paulo, Curitiba), Montevideo, Asunción, Santiago de Chile, Lima, Bogotá and San José de Costa Rica. They also performed in Buenos Aires, at the Vélez Stadium and with their own show at Uniclub.
Desde su aparición en la década de 1990, Weezer se ha convertido en sinónimo de melodías contagiosas, letras extravagantes y una mezcla inconfundible de pop alternativo y power pop. Formada en Los Ángeles en 1992, la banda, liderada por el líder Rivers Cuomo, rápidamente capturó los corazones de los entusiastas de la música con su álbum debut homónimo, conocido cariñosamente como el Álbum Azul. Canciones como "Buddy Holly" y "Say It Ain't So" catapultaron a Weezer al éxito comercial, ganándose un seguimiento devoto que continúa creciendo con cada año que pasa.
A lo largo de su carrera, Weezer ha navegado por el siempre cambiante rock alternativo con aplomo, lanzando una amplia gama de álbumes que muestran su versatilidad y destreza en la composición. Desde las reflexiones introspectivas de "Pinkerton" hasta los hits radio-friendly de "Make Believe" y la experimentación de géneros de "Everything Will Be Alright in the End".
La discografía de Weezer es un testimonio de su capacidad para evolucionar mientras se mantienen fieles a su sonido característico. Con cada lanzamiento, continúan cautivando al público con su energía contagiosa y su amor descarado por el rock 'n' roll.
Cantante y compositora germano-canadiense conocida por su música indie pop y rock alternativo. Logró un gran reconocimiento internacional con su sencillo debut "No Roots", lanzado en 2016. La canción se convirtió en un éxito masivo, alcanzando la cima de las listas en varios países. Según ella, la canción se inspiró en sus primeros años de vida casi nómada debido a las constantes mudanzas de su familia de un lugar a otro.
En enero de 2017, lanzó su EP debut titulado "No Roots", con el sencillo ya famoso junto con otras canciones. El EP consolidó aún más su presencia en la industria de la música y obtuvo críticas positivas tanto de críticos como de fanáticos.
Más tarde en 2019, lanzó su primer álbum de estudio, "Mint", que incluye canciones como "Lash Out" y "Funny Business” que demuestran una mezcla única de melodías pegadizas y letras que invitan a la reflexión. Su último y más reciente álbum es de 2022, "S.I.D.E.S." con canciones como "100 Stories" que, en sus propias palabras, trata sobre escapar de la pequeña burbuja en la que se convirtió tu mundo y darle una oportunidad a todo lo que hay ahí fuera.
Una voz distintiva y poderosa, con música que explora temas de identidad, autodescubrimiento e independencia.
Richard Andrew Conte, conocido por su nombre artístico Outasight, es un cantante, compositor, rapero y productor discográfico estadounidense oriundo de Yonkers, Nueva York.
Con una fusión contagiosa de Soul Pop, Hip Hop y Funk, la música de Outasight ha dejado una marca indeleble en varios ámbitos, desde innumerables campañas publicitarias hasta avances de películas y promociones deportivas. Su estilo característico ofrece constantemente ganchos inolvidables y más grandes que la vida, infundiendo cualquier proyecto con un estilo fresco, arrogancia y energía para sentirse bien.
KARRA es una aclamada artista, compositora y productora vocal. Es ampliamente conocida por sus paquetes de muestras vocales, con millones de descargas y ventas Online, así como por sus colaboraciones con algunos de los DJ/productores más importantes de la industria.
El viaje musical de Karra comenzó en su ciudad natal de Jersey Shore, donde perfeccionó sus habilidades vocales bajo la guía de su madre, entrenadora vocal y su mayor influencia musical. Inicialmente centrada en el canto y la composición de canciones, Karra finalmente se adentró en el arte de la producción vocal, una habilidad que la distinguiría en los años venideros.
La canción "Platinum Hearts", es citada por ella como su favorita personal, ya que es la que inició todo.
"Esta canción siempre tendrá un lugar especial en mi corazón. Es una locura pensar en el pasado y ver todos los caminos que esta canción me allanó en el medio. Es una bendición".
Su música ha acumulado más de mil millones de reproducciones en todo el mundo y ha acumulado más de 300.000 fanáticos en todas las plataformas sociales. KARRA se ha hecho un nombre a través de su contenido educativo pero entretenido que documenta su proceso creativo, su carrera y su vida. Esto llevó a la creación y el éxito de iamkarra.com, donde vende herramientas para creadores de música para ayudarlos a perfeccionar su oficio y encontrar su sonido característico.
Curiosamente, después de 10 años en la industria, haciendo colaboraciones, los millones de samples vocales vendidos y enseñando a miles de personas a crear música online, finalmente lanzó un álbum en marzo de 2024: The Beauty and the Boss.
Procedentes de París, Stuck in the Sound se ha consolidado como una de las bandas más dinámicas e innovadoras de la escena indie rock. Desde su formación en 2002, este cuarteto ha cautivado al público con su ecléctica mezcla de garage rock, post-punk y elementos electrónicos. Su música, inspirada en su amor por Nirvana, los Pixies y Sonic Youth, se caracteriza por ganchos infecciosos, ritmos impulsivos y letras introspectivas que resuenan con los oyentes de todo el mundo.
La carrera de la banda ha estado marcada por la aclamación de la crítica y una base de fans dedicada. Su sencillo "Toyboy" de su álbum debut "Nevermind the Living Dead" los catapultó al centro de atención y fue incluido en la banda sonora del videojuego Guitar Hero World TourÁlbumes posteriores como "Shoegazing Kids" y "Survivor" mostraron aún más su versatilidad, con temas que van desde himnos rockeros hasta baladas introspectivas.
A principios de 2024 lanzaron su último disco: "16 sueños en un minuto", un disco donde reflexionan sobre cómo las condiciones y debilidades humanas se traducen en retos personales y universales. Las dieciséis canciones del álbum son dieciséis sueños nacidos y evaporados en un mundo profundamente cambiante.
La música de la multi-instrumentista y compositora afincada en Los Ángeles Nailah Hunter es una puerta a mundos mágicos. Brillando con dulces tonos de arpa y electrónica de ensueño, su primer EP debut, Spells, fue lanzado por el aclamado Leaving Records de Los Ángeles en mayo de 2020 y descrito por Rolling Stone como "uno de los mejores lanzamientos recientes de su tipo".
Nailah nació en Manhattan y se crió en Los Ángeles, hija de un pastor beliceño, tocando la batería y la guitarra acústica en la banda de la iglesia de su padre y cantando en su coro. Cuando era adolescente, su creciente interés por artistas como Erik Satie y Alice Coltrane y las bandas sonoras de las películas de Miyazaki comenzó a cristalizarse en una musicalidad delicadamente etérea. Un punto de inflexión clave se produjo a los 19 años, cuando recibió un arpa de bebé como regalo cuando ya era estudiante en CalArts, desarrollando un sentido de la composición muy bien entrenado y una voz de canto perfectamente timbrada.
Hoy en día, Nailah presenta un programa de radio mensual de NTS, Astral Garden, y ha colaborado con Lyra Pramuk, No Joy, John Carroll Kirby y Bing and Ruth. En junio de 2020, lanzó el sencillo independiente "Black Valhalla" para recaudar fondos para la Fundación Loveland, una organización benéfica que brinda terapia a jóvenes negras. Poco después, Nailah reimaginó la canción original de Radiohead, "Talk Show Host", que encontró un amplio reconocimiento.
En 2021, su sonido tranquilo la llevó a escribir Sleeping Sea, un álbum de paisajes sonoros que ayuda a dormir como parte de la serie colaborativa de Endels con Leaving Records. Continuando con su camino en las bandas sonoras, en 2022, Nailah apareció en una partitura original para The Lazarus Project para la serie de televisión Sky del consumado compositor Ben Lukas Boysen. Nailah ha escrito paisajes sonoros para NIKE, Union Station en Los Ángeles y VUE TV, siendo su trabajo más reciente la banda sonora de una novela digital para The Quest of Evolution. Además, su canción colaborativa ''Lua'' se colocó recientemente en una campaña de Apple.
Más recientemente, lanzó el álbum Lovegaze en enero de 2024, un hechizo testimonial sobre la resiliencia del mundo natural.
Prince Royce se ha convertido en una figura prominente en la industria de la música con su encantador sonido de bachata. Oriundo del Bronx, ha fusionado magistralmente los ritmos tradicionales de la bachata con influencias modernas, creando un estilo fresco e irresistible. Su música, caracterizada por sentidas letras y melodías apasionadas, se ha ganado el corazón de los fanáticos de todo el mundo y lo ha establecido como un artista líder en la escena de la música latina.
El éxito ha sido un compañero constante para él, con numerosos éxitos en las principales listas de éxitos y múltiples álbumes de platino, no solo ha obtenido éxito comercial, sino también elogios de la crítica. Su habilidad para cambiar sin esfuerzo entre letras en inglés y español ha ampliado su atractivo internacional, convirtiéndolo en una sensación global.
Ha obtenido numerosos premios y nominaciones a lo largo de su carrera. Sus reconocimientos incluyen múltiples Premios Billboard de la Música Latina, nominaciones al Grammy Latino, nominaciones a los Premios Billboard de la Música y una serie de otros honores.
A medida que continúa evolucionando y explorando nuevos géneros musicales, el futuro de Prince Royce parece prometedor, con fanáticos que esperan ansiosamente música más cautivadora y colaboraciones innovadoras.
Nikki Lane es una cantante, compositora y músico estadounidense de Carolina del Sur (EE.UU.). Es conocida como la Primera Dama del Outlaw-Country, debido a su actitud algo punk.
Her music is known for blending Classic Country, Rock & Roll, and Blues. She has been compared to that of Loretta Lynn and Patsy Cline and she has toured extensively throughout the United States, Europe, and Australia. In addition to her solo work, she has collaborated with a variety of other musicians, including Lana del Rey, Jonny Fritz, The Black Belles, and The Yawpers.
La moda también forma parte de su perfil, trabajó como diseñadora de moda y lanzó su línea de ropa, High Class Hillbilly, cuyos diseños han aparecido en publicaciones como Vogue, Elle y Marie Claire.
Ha lanzado cuatro álbumes de estudio, Walk of Shame (2011), All or Nothin' (2014), Highway Queen (2017) y, más recientemente, Denim & Diamonds (2022).
En la vibrante década de los sesenta, Graham Gouldman dio sus primeros pasos en el mundo de la música como parte de The Mockingbirds. Aunque la banda no alcanzó la fama esperada en ese momento, Gouldman demostró que su talento era incuestionable, y pronto encontraría su lugar en la historia musical.
Su habilidad como autor y compositor lo llevó a crear éxitos que resonaron a lo largo de las décadas de los sesenta y setenta, contribuyendo al repertorio de bandas emblemáticas como Herman's Hermits, The Yardbirds (cuya influencia se extiende a artistas legendarios como Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page), The Hollies y 10cc. Sin embargo, su alcance no se detiene en el pasado, ya que ha sabido adaptarse y reinventarse, colaborando con artistas contemporáneos del género urbano como Doja Cat, demostrando ser un verdadero maestro del oficio.
A sus 78 años, el legado de Gouldman sigue siendo venerado por una nueva generación de músicos. Sus composiciones atemporales continúan siendo reinterpretadas por artistas de renombre como Pixies y Morrissey, demostrando que su influencia perdura a través del tiempo y sigue siendo relevante en el panorama musical actual. Gouldman es un verdadero "todo terreno" en el mundo de la música, cuya creatividad y talento han dejado una marca indeleble en la historia del rock y más allá.
IU, whose real name is Lee Ji-eun, has become a true icon in South Korea and around the world. Known for her sweet yet powerful vocals, touching songwriting, and natural charisma, IU has built a career that transcends genres and generations. She began her career as a teenage solo artist, but her unique blend of K-pop, indie sensibilities, and personal storytelling has made her one of Korea’s most beloved artists. From heartfelt ballads to upbeat anthems, IU’s songs explore themes of love, loss, and self-discovery, resonating deeply with fans who find comfort and inspiration in her music.
Her success goes far beyond music. IU is also a celebrated actress, starring in hit dramas like Moon Lovers: Scarlet Heart Ryeo and Hotel Del Luna, where her performances showcase her range and depth as an artist. Her portrayal of complex, multi-dimensional characters has won her acclaim and expanded her influence across the entertainment industry. IU’s dual talents as a musician and actress have helped her create a rare and special bond with her fans, who admire not only her artistic abilities but also her humility, kindness, and commitment to philanthropy.
IU’s influence on Korean pop culture is monumental. Her albums, such as Palette and Lilac, showcase her evolution as both a musician and a person, touching on themes of growth and change that resonate across all ages. Songs like “Good Day,” “Blueming,” and “Eight” have become instant classics, cementing her status as a timeless artist. IU’s music is distinct for its thoughtful lyrics and nuanced emotional expression, offering listeners an intimate connection to her world. She has carved out a unique place in K-pop, proving that a solo artist can stand just as tall as the biggest groups in the industry.
To this day, IU remains a beloved figure in Korea and beyond, admired for her artistic integrity and versatility. Her journey from teenage sensation to accomplished musician and actress has made her a role model for countless young fans. IU’s music, honesty, and dedication continue to inspire audiences worldwide, solidifying her place as one of the most influential artists in modern Korean music.
Desde Townsville, Australia, una banda saltó a la fama mundial, solo para esfumarse tan inesperadamente como llegaron. Formada en 2005, la banda estaba formada por los miembros Jordan Ireland, Rohin Jones, Bree Tranter, Mark Myers y Harry Wales. Ganaron reconocimiento internacional por su música sincera y atmosférica, marcada por armonías intrincadas, instrumentación delicada y letras introspectivas.
En 2008 lanzaron EP debut, "The Recordings of The Middle East", que mostró su sonido característico y obtuvo elogios de la crítica por sus melodías inquietantes y profundidad emocional. Entre las canciones destacadas se encuentran "Blood" y "XXX".
Poco tiempo después, en 2010, The Middle East lanzó su muy esperado álbum debut, "I Want That You Are Always Happy". El álbum contó con versiones re-grabadas de canciones de su EP, así como nuevo material. Entre las canciones se encuentran "Hunger Song" y "Jesus Came to My Birthday Party" que resonaron con los oyentes y mostraron la capacidad de la banda para crear composiciones evocadoras y en capas.
A pesar de su éxito, The Middle East anunció su separación en 2011 poco después del lanzamiento de este álbum, con un enigmático, corto e inesperado comunicado de sólo 3 párrafos. Los miembros citaron las diferencias creativas y la tensión de las giras como razones para la disolución. Aunque su tiempo como banda fue relativamente efímero, su música sigue siendo apreciada por los fans del Indie Folk y permanece como testimonio del talento y el arte.
Although their time as a band was relatively short-lived, their music continues to be cherished by fans of indie folk and remains a testament to their talent and artistry.
Hania Rani es una de las pianistas más exitosas e intrigantes del mundo en este momento, con espectáculos agotados en Londres, Berlín, Tel Aviv y una gira canadiense con entradas agotadas.
Dueña de un talento trascendente, es una pianista de formación clásica capaz de evocar el paisaje montañoso de su Polonia natal, mientras mantiene suficiente energía latente para mantener al espectador al borde de su asiento.
Rani creció en Gdansk (Polonia), y comenzó inicialmente a estudiar música clásica, fue luego introducida al jazz y la electrónica en su escuela de música, ampliando sus intereses y, como ella dice, "mezclando a Chopin y Shostakovich con Dave Brubeck y Moderat". Otras inspiraciones incluyen compositores como Max Richter, Esbjorn Svensson, Miles Davis, Nils Frahm, Murcof, Portico Quartet, Radiohead e incluso The Beatles.
"Es lo que conecta a todos estos artistas que me inspiran, su enfoque especial de la música y el sonido. Para mí, tienen grandes corazones y mentes enormes".
Su álbum debut “Esja”, es una seductora colección de piezas para piano solo que le valió cuatro prestigiosos premios Fryderyk. Su siguiente álbum, “Home”, agrega voces y electrónica sutil y le valió más premios.
Ha compuesto la música para varias películas, incluida una serie de Netflix 'Last Chance U: Basketball' y la banda sonora de la película documental 'Venice: Infinitely Avantgarde' lanzada en 2022.
El pasado Octubre de 2023 lanzó su nuevo album: “Ghosts”
A través de sus óperas, sinfonías, composiciones para su propio conjunto y amplias colaboraciones con artistas que van desde Twyla Tharp a Allen Ginsberg, Woody Allen a David Bowie, Philip Glass ha tenido un impacto extraordinario y sin precedentes en la vida musical e intelectual de su época.
Originario de Baltimore y nacido en 1937, Philip Glass comenzó sus estudios musicales en la Universidad de Chicago, en la Juilliard School y en Aspen con Darius Milhaud. Se trasladó luego a Europa, donde estudió con la legendaria pedagoga Nadia Boulanger y trabajó estrechamente con el Sitar virtuoso del sitar y el compositor Ravi Shankar. De regreso a Nueva York en 1967 formó el Philip Glass Ensemble, compuesto por siete músicos que tocaban los teclados y una variedad de vientos de madera, amplificados y alimentados a través de una mezcladora.
El nuevo estilo musical que estaba desarrollando fue finalmente apodado como "Minimalismo", a pesar de que al propio Glass nunca le gustó el término y prefería hablar de sí mismo como un compositor de "música con estructuras repetitivas". Gran parte de su obra inicial se basa en la reiteración prolongada de breves y elegantes fragmentos melódicos que entran y salen de un tapiz auditivo, sumergiendo al oyente en una especie de clima sónico que se retuerce, gira, rodea y se desarrolla.
Su producción musical no puede considerarse en absoluto como “Minimalista”: A lo largo de 25 años, Glass ha compuesto más de 25 óperas, grandes y pequeñas; 12 sinfonías; una variedad de Conciertos para distintos instrumentos y formaciones; así como también bandas sonoras de películas y documentales.
Entre sus óperas pueden destacarse “Einstein en la playa”, “Satyagraha”, “Akhnaten” y “El Viaje”, entre muchas otras que se representan en las principales casas del mundo y rara vez con asientos vacíos. Entre sus bandas sonoras son dignas de mención aquellas utilizadas en los documentales de Jean Cocteau, los films “The Hours” y “Kundun” de Martin Scorsese, así como también “Koyaanisqatsi” cuyo paisaje fílmico inicial puede ser el más radical e influyente apareamiento de sonido y visión desde Fantasía.
Por todo esto, Philip Glass es considerado el primer compositor en ganar una audiencia multigeneracional en la ópera, las salas de conciertos, el mundo de la danza, el cine y la música popular, simultáneamente.
Nacido en Kansas en 1928, pero criado en Queens (NY), Bur Bacharach comenzó a estudiar Cello, Percusión y Piano a la edad de 12 años por insistencia de su madre. Solía detestar tocar el piano porque su sueño era convertirse en jugador profesional de Fútbol Americano. Su contextura pequeña y su talento musical terminarían llevándolo por un camino distinto.
Durante su adolescencia terminaría enamorándose del Jazz y formando su propia Banda de secundaria, con la cual ganó experiencia y exposición en fiestas y eventos. Mas adelante continuó estudiando música en Mannes School of Music de Nueva York, en el Berkshire Music Center, y la New School for Social Research, lugares en los cuales aprendió de compositores de la talla de Bohuslav Martinu, Henry Cowell y Darius Milhaud. Recibió también una beca de studio para la Music Academy of the West en Santa Barbara, California.
Luego de un periodo de servicio militar, comenzó a trabajar en clubes nocturnos y restaurants, acompañando a músicos como Georgia Gibbs, Ames Brothers y Polly Bergen. En 1957 comenzó a trabajar con Hal David, en lo que sería una extensa colaboración de décadas, pero que comenzó con éxitos inmediatos como “The Story of My Life” (La historia de mi Vida) y “Magic Moments” (Momentos Mágicos).
A lo largo de varias décadas, se dedicó a crear, arreglar y producir canciones con distintos talentos musicales como The Drifterss, Marlene Dietrich, Jackie DeShannon, Dusty Springfueld, The Carpenters, Ivis Costello y más específicamente con Dee Dee Warwick (Con quien junto a Hal David formaron un equipo formidable) The Drifters, Marlene Dietrich, Jackie DeShannon, Dusty Springfield, The Carpenters , lvis Costello and most specially with Dee Dee Warwick (with whom, alongside Hal David formed a formidable team).
Participó también en varios Films, componiendo piezas musicales para películas como “Casino Royale”, “Butch Cassidy and the Sundance Kid”, el film italiano “Together”, “Arthur”, e incluso actuado en varias de las películas de Austin Powers. Distintos Documentales y Películas le han rendido homenaje a su carrera a lo largo de los años, así como también distintos musicales como “What the World Needs Now” (Lo que el Mundo necesita ahora”.
Un prolífico compositor, productor y arreglador, cuyos trabajos y colaboraciones se extienden a lo largo de décadas y multitud de artistas. Su nombre es uno de los grandes de la historia de la Música, que ha dejado su marca en cada área posible de las artes y al día de hoy continúa inspirando y definiendo músicos a lo largo y ancho del mundo.
Autor junto a Vinicius de Moraes de canciones icónicas, fue uno de los máximos exponentes de la música brasileña y del Bossa Nova movimiento. Su música muestra una gran habilidad para incorporar armonías complejas dentro de la música popular, sumando a sus raíces de Música Clásica la Samba y el folklore brasileño, así como también el sonido del cool jazz..
Sus canciones han sido interpretadas por grandes artistas como Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Madonna y Amy Winehouse. Su éxito más grande, “Garota de Ipanema” es una de las canciones más versionadas de la historia y conocidas en el mundo, formando parte a menudo de eventos multitudinarios como la inauguración del Mundial 2014.
A más de 95 años de su nacimiento, la vigencia de sus canciones sigue intacta.
Con sus características de chaquetas de cuero y jeans ajustados, Motley Crue es señalado como uno de los pioneros de la escena Glam Metal de los 80 y es conocido por sus impresionantes shows en vivo. Dueños de un rock and roll contundente con un toque punk y canciones que a menudo presentan temas controvertidos como el sexo, las drogas y el suicidio, saltaron a la fama a principios de la década de 1980 con su álbum debut, "Too Fast for Love".
Desde entonces han lanzado nueve álbumes de estudio, cuatro álbumes recopilatorios, dos EP y dos álbumes en vivo, habiendo vendido en total más de 100 millones de álbumes en todo el mundo. Los éxitos de la banda incluyen "Home Sweet Home", "Girls, Girls, Girls", "Dr. Feelgood", "Kickstart My Heart" y "Wild Side".
Como parte de su "World Tour" se presentaron por América Latina, en México DC (18/02), Monterrey (21/02), Bogotá (25/02), Lima (28/02), La Florida Chile (03/03), Sao Paulo (07/03) y Buenos Aires (09/03).
Procedente de Pompano Beach, Florida, Kodak Black se ha convertido rápidamente en una de las voces más convincentes del hip-hop actual. Con una mezcla distintiva de letras descarnadas, melodías atrayentes y verdades duras, Kodak ha cautivado al público mundial. Sus primeros mixtapes, incluidos "Project Baby" e "Institution", atrajeron una amplia atención por sus sinceras reflexiones sobre la vida en las calles y las luchas de la mayoría de edad en los vecindarios afectados por la pobreza.
Desde su irrupción, Kodak Black ha seguido ascendiendo a nuevas alturas, consolidando su estatus como una fuerza a tener en cuenta en el panorama del hip-hop. Su álbum de estudio debut "Painting Pictures" generó éxitos como "Tunnel Vision" y "Patty Cake", mostrando su versatilidad como rapero y compositor. A pesar de enfrentar problemas legales y contratiempos en el camino, el talento innegable y la determinación inquebrantable de Kodak lo han impulsado a la cima de las listas de éxitos y le han ganado una base de fans devotos.
Es una figura cautivadora cuya música refleja las luchas y los triunfos de su viaje. Con un nuevo álbum en el horizonte, no importa si estás vibrando con sus últimas canciones o revisando sus primeros mixtapes, una cosa es segura: la estrella de Kodak Black está en ascenso y el futuro parece más brillante que nunca.
Fear Factory se erige como una fuerza titánica en el ámbito del metal industrial, manejando un arsenal sonoro que combina riffs pulverizadores con una precisión similar a la de una máquina. Formada en Los Ángeles en 1989, la banda rápidamente ganó reconocimiento por su fusión de metal, elementos electrónicos y temas futuristas, labrándose un nicho único en el panorama de la música pesada. Liderado por el vocalista Burton C. Bell y el guitarrista Dino Cazares, la música de Fear Factory se caracteriza por su agresión implacable, melodías inquietantes y letras distópicas que reflexionan sobre temas del hombre contra la máquina y los efectos deshumanizantes de la tecnología.
A lo largo de su ilustre carrera, Fear Factory ha lanzado una serie de álbumes influyentes que han dejado una huella indeleble en el género del metal. Desde su innovador debut "Soul of a New Machine" hasta el que definió el género "Demanufacture" y el ambicioso "Obsolete", cada lanzamiento muestra el compromiso inquebrantable de la banda con la innovación y la exploración sonora. Temas como "Replica", "Edgecrusher" y "Martyr" se han convertido en himnos para legiones de fans de todo el mundo, consolidando el estatus de Fear Factory como una de las bandas más icónicas de la historia del metal.
A pesar de los cambios en la alineación y las luchas internas a lo largo de los años, el legado de Fear Factory permanece intacto, y su influencia continúa reverberando a través de la comunidad del metal. Con un nuevo álbum en el horizonte y un catálogo lleno de clásicos atemporales, Fear Factory se erige como un testimonio del poder duradero de la música pesada y la creatividad ilimitada del espíritu humano. A medida que continúan ampliando los límites de la experimentación sonora, Fear Factory sigue siendo un faro de innovación en un género conocido por su intensidad y agresión.
Este dúo paraguayo, formado por Jennifer Hicks y Miguel Narváez, combina en su música el folklore latinoamericano con ritmos internacionales como el Jazz, Blues y Soul.
El nombre enlaza también estos aspectos: Purahéi significa canto en guaraní y Soul hace alusión a los sonidos afroamericanos y a la palabra Alma en inglés.
En 2018 presentaron su disco Swing Guaraní, que contiene canciones en español, inglés y guaraní. El disco ha sido un gran éxito que los llevó de gira por 19 ciudades de Paraguay, y luego por LatinoAmérica y Europa.
